Zurbarán a Roma

Por la primera vez, Roma se fija en el maestro español Francisco de Zurbarán (1598-1664), uno de los mayores intérpretes, junto con Diego Velázquez y Bartolomé Esteban Murillo, de la pintura española del llamado "Siglo de Oro".

El préstamo del Museo de Arte de San Luis y la llegada a los Musei Capitolini de San Francesco contempla un teschio, uno de los cuadros más impresionantes del formalismo místico del maestro español, es, por tanto, una oportunidad excepcional para conocer de cerca su peculiar lenguaje pictórico, cuya lección fue comprendida por primera vez por los pintores franceses del siglo XIX y sólo reconocida por la crítica italiana e internacional a partir de los años veinte.
Además, la decisión de exponer la obra en la Sala Santa Petronilla la sitúa en un diálogo ideal tanto con los dos cuadros de Caravaggio que contiene, la Buona Ventura y el San Giovanni Battista, como con el Retrato de Juan de Córdoba de Diego Velázquez: cuatro obras maestras, por tanto, pintadas en un periodo de unos cincuenta años, cuya contraposición ofrece una reflexión sobre el arte de los tres protagonistas de la pintura del siglo XVII.

El San Francesco contempla un teschio del Museo de Arte de San Luis, que originalmente formaba parte de un panel de la iglesia carmelitana del colegio de San Alberto en Sevilla, es una de las representaciones más fascinantes del pequeño hermano de Asís, a pesar de su pequeño tamaño.
El santo, verdadera obsesión pictórica del artista (que repitió el tema en otras obras a lo largo de su carrera), aparece de pie, con el característico hábito capuchino y contemplando una calavera entre sus manos. El aspecto severo y monumental de la composición se ve acentuado por el fuerte rigor geométrico, la verticalidad de la capucha y los pliegues de la túnica, que cae en línea recta hasta el suelo, dejando sólo la punta de los dedos de sus pies desnudos al descubierto. El diálogo silencioso entre el santo y la calavera simboliza el paso de la vida a la muerte, aludiendo a la fragilidad de la existencia humana, tema recurrente en el arte barroco español y en el arte de la Contrarreforma en general.

El proceso creativo y visual es, por tanto, lento y no inmediato, como en Caravaggio, y las luces y sombras no adquieren un valor natural sino simbólico y espiritual. El santo, en su ascética contemplación de la calavera, aparece distanciado y esquivo, inmerso en una dimensión mística que trasciende la percepción del espectador.
La comparación entre el San Francesco del Museo de Arte de San Luis y los cuadros de Caravaggio y Velázquez de la Pinacoteca Capitolina se centra en el uso de la luz, destacando las similitudes pero también las diferencias. Si de hecho la relación entre forma, espacio, tiempo y luz representa el denominador común, muy diferente es la elección pictórica y la interpretación simbólica que cada uno le dio.