Zurbarán a Roma

Pour la première fois, Rome donne une visibilité exceptionnelle au Maître espagnol Francisco de Zurbarán (1598-1664), l'un des plus grands interprètes, avec Diego Velázquez et Bartolomé Esteban Murillo, de la peinture espagnole du "Siglo de Oro".

En conséquence, le prêt du Saint Louis Art Museum et l'arrivée aux Musei Capitolini de San Francesco contempla un teschio, l'un des tableaux les plus impressionnants du formalisme mystique du maître espagnol, est une occasion exceptionnelle de connaître en détail son langage artistique particulier, dont la leçon a été comprise d'abord par les peintres français du XIXe siècle et reconnue par la critique italienne et internationale seulement à partir des années 1920.
En outre, le choix d'exposer l'œuvre dans la Sala Santa Petronilla la place dans un dialogue idéal avec les deux toiles du Caravaggio qu'elle contient, le Buona Ventura et le San Giovanni Battista, et avec le Portrait de Juan de Córdoba de Diego Velázquez: quatre chefs-d'œuvre, donc, peints sur une période d'environ cinquante ans, dont la juxtaposition offre une réflexion sur l'art des trois protagonistes de la peinture du XVIIe siècle.

Le San Francesco contempla un teschio du Saint Louis Art Museum, qui faisait à l'origine partie d'un retable de l'église carmelitana del collegio di Sant'Alberto à Séville, est l'une des représentations les plus fascinantes du petit frère d'Assise, malgré sa petite taille.
Le saint, véritable obsession picturale de l'artiste (qui reprendra le sujet dans d'autres œuvres tout au long de sa carrière), est représenté debout, portant l'habit caractéristique du capucin et contemplant un crâne dans ses mains. L'aspect sévère et monumental de la composition est accentué par la forte rigueur géométrique, la verticalité du capuchon et les plis de la robe, qui tombe directement sur le sol, ne laissant à découvert que le bout des orteils de ses pieds nus. Le dialogue silencieux entre le saint et le crâne symbolise le passage de la vie à la mort, faisant allusion à la fragilité de l'existence humaine, un thème récurrent dans l'art baroque espagnol et dans l'art de la Contre-Réforme en général.

Le processus créatif et visuel est donc lent et non immédiat, comme chez le Caravaggio, et les lumières et les espaces d'ombre ne prennent pas une valeur naturelle mais une valeur symbolique et spirituelle. Le saint, dans sa contemplation ascétique du crâne, apparaît détaché et insaisissable, immergé dans une dimension mystique qui transcende la perception du spectateur.
La comparaison entre le San Francesco du Saint Louis Art Museum et les Caravaggio et Velázquez de la Pinacoteca Capitolina se focalise sur l'utilisation de la lumière, soulignant les similitudes mais aussi les différences. Si, en effet, la relation entre la forme, l'espace, le temps et la lumière représente le dénomiateur commun, très différents sont le choix pictural et l'interprétation symbolique que chacun en a fait.